Art contemporain et patrimoine

Comme le froid a du bon de temps en temps....c'est sans doute à lui que je dois ce retour à mon clavier et mes clichés...souhaitons non pas que le froid polaire perdure mais bien que ce regain rédactionnel persiste le plus longtemps possible. Pour reprendre le fil des lignes et des photos en ce début d'année, je pars du coté de St Lazare. Au coeur des allées et venues des milliers de voyageurs qui transitent quotidiennement dans ce quartier animé, commercial et si bouillonnant d'activités en tout genre, il reste imperturbable depuis une trentaine d'année que l'on les y a là érigées, les deux compositions d'Arman : "l'heure pour tous" qui trône dans la Cour du Havre et qui avait d'ailleurs en son temps (!) inspiré la rédactrice herbe que je suis ; et "consignes à vie" qui se dresse sous le gros horloge de la cour de Rome. Ces deux oeuvres dans leur genre imposantes, ont toutefois su se fondre dans le décor à tel point que si on les décriait au moment de leur installation, elles sont presque aujourd'hui oubliées, tant les passants semblent les avoir intégré dans leur quotidien. 

Voilà que la douceur printanière vient faire (re)fleurir les murs et les places de la capitale d'un regain d'inventivité, de poésie et de créativité et par là même, m'offrir l'occasion d'un petit entrefilet cousu de fil non pas blanc mais quasi invisible. Le fil des mots, le fil abstrait de la créativité artistique empreinte d'une douce rêverie et d'un peu de mythologie, qui suffit pour renaître une inspiration assoupie par l'hibernation hivernale...

Le vent d'automne, la pluie et le ciel gris....malgré ces trois éléments telles des ritournelles annuelles qui valsent comme les feuilles tombant sur le bitume parisien, il y a dans Paris un peu de poésie et de féerie, qui cette année encore permet de ne pas voir en ce perpétuel cycle saisonnier autre chose qu'une sinistrose de fin d'année...

En réalité, dans la fantaisie colorée que je vais évoquer, il s'agit aussi d'une oeuvre d'art, animation éphémère et en même temps régulière, mêlant non pas son et lumière mais eau et lumière...Sur la place Malraux, l'un des deux bassins qui ont déjà fait l'objet d'un billet l’année dernière, l'artiste Nathalie Junod-Ponsard a réalisé en 2010,  dans le cadre du cinquantenaire du ministère de la Culture et de la Communication, une installation habilement batpisée "Crépuscule persistant, aux couleurs de la République française, se définissant par un jeu coloré épousant le flux et le reflux de l'eau du bassin, venant ainsi presque mouiller les marches du Conseil Constitutionnel et du Conseil d'Etat.

Dans l'eau des bassins, que nous devons au décidément très productif Davioud (architecte de prédilection du baron Haussmann), tourbillonnement au gré du courant et du vent des feuilles, illuminées par un jeu de spots de couleurs alternant entre le rouge et le bleu, dans un rythme étudié, chacun d'eux s'allumant chacun leur tour.

Cette installation me plait beaucoup, elle n'est en fonctionnement qu'en basse saison, en période nocturne, comme pour mieux fêter l'automne et son ballet de feuilles mortes. Outre le fait d'intriguer et de plaire aux passants, elle illumine également la ronde de chérubins de Charles Gauthier qui restent pourtant immobiles et impassible malgré leur place qui les place, le temps de quelques secondes sous le feux de ces projecteurs originaux.

Il se dégage de ce mariage aussi éphémère qu'harmonieux entre lumière moderne, sculptures, eau et feuilles mortes, une grande poésie, qui bien que versatile, se renouvelle à chaque mouvement des ondes, des gouttes qui tombent dans le bassin inférieur et de chaque irruption de couleur.

Une installation qui peut être aurait plu au grand Malreaux, qui depuis a laissé son nom à la place qui accueille ces fontaines et qui reste sans doute le plus grand ministre de la Culture de notre Vème république. Un double hommage donc à notre institution.

Les sanglots longs 
Des violons 
De l’automne 
Blessent mon coeur 
D’une langueur monotone 
Tout suffocant 
Et blême, quand 
Sonne l’heure 
Je me souviens 
Des jours anciens et je pleure 
Et je m’en vais 
Au vent mauvais 
Qui m’emporte 
Deça delà Pareil la feuille morte

 

C'est une nouvelle rencontre avec l'art contemporain, que j'ai faite samedi dernier sur la Place Maurice Barrès, au pied de l'église de l'Assomption, refuge religieux pour les polonais de France.

Là, dans une discrétion toute relative, trône sur un piédestal en contreplaqué blanc, une sculpture de Matteo Negri intitulée "Super l'Ego". Une oeuvre faisant partie du parcours hors les murs proposé jusqu'au 30 novembre par la galerie 208. Un légo de couleur "bleu.....légo", placé à la vertciale, subissant une torsion que personne n'aurait imaginé lui infliger plus tôt, à lui, petite brique dure, austère et surtout inflexible.

Qui enfant, tout en constituant minutieusement et patiemment une construction faite de pièces de légo n'a pas rêvé de voir ces cubes et autres rectangles rigides, aux lignes immuables et aux couleurs franches mais impersonnelles, pouvoir soudain se tordre pour construire autre chose que des réalisations droites, planes et anguleuses ?

Cette question et cette frustration que probablement tout constructeur et architecte en herbe a vécu ont poussé Matteo Negri à transformer nos briques colorées en véritables oeuvres d'art, mêlant nostalgie de l'enfance et fantasme physique et géométrique.

Car avec lui le légo se transforme. Aussi bien dans la forme avec des lignes qui s'assouplissent, perdent de leur rigidité implacable, défiant les lois de la physique pour mieux remettre en cause la rigueur et libérer ainsi l'énergie créatrice et la fantaisie, qui jusque là ne pouvait que rester irréelle ; mais également dans le fond : alors que l'imaginaire de l'enfant était bridé, contenu et retenu par la logique impitoyable du jeu de brique, l'artiste vient par sa créativité et son audace inverser les rôles. Ou comment la sensibilité détourne ce qui semblait immuable. Comme un rapport de force entre l'âme et la matière, le sensible et l'insensible, l'imaginaire et le matériel.

Ce vecteur choisi par l'artiste permet il me semble de transmettre un message à portée universelle, doté d'une certaine intemporalité, induisant en chacun d'entre nous un sentiment de nostalgie lié à l'enfance mais aussi celle de la libération créatrice. Repousser des limites que l'on pensait figées.

Le lieu choisi pour exposer cette sculpture contemporaine me parait intéréssant et le lien que l'on peut faire entre l'oeuvre et son écrin l'est également, car la présence inattendue de ce grand légo bleu noueux s'élançant fièrement dans le bleu du ciel parisien, comme libéré de la contrainte rigide qu'on lui a donné à l’origine, s'oppose quelque peu au claccissime intemporel et lui aussi implacable de l'architecture du XVIIIème et du XIXème siècle de ce quartier plutôt chic et conventionnel. En effet, aux courbes modernes du "Super l'égo", s'opposent les colonnes de l'église de l'Assomption et l'imposante cour des comptes, toute proche. Des références religieuse et républicaine, elles aussi dogmatiques et implacables, qui voient à leur pied, un expression de joyeuse libération et d'imagination.

"Super l'égo" induit la notion d'égoïsme. Pourquoi ? Un titre référent à un égo artistique prononcé, voire exacerbé ? peut être, mais je veux plutôt y voir pour ma part, la référence au jeu d'assemblage souvent réalisé en solitaire, dans une logique de construction individuelle, permettant l'élévation d'un pont entre la créativité, l'intellect et le manuel. Une référence elle aussi brisée puisqu'à travers l'oeuvre d'art, ce légo vraiment hors du commun s'ouvre à la notion de partage.

Enfin, je ne peux m'empêcher de faire le lien entre la personnalité qui a laissé son nom à cette place où l'on a choisit de placer "Super l'égo" et cette sculpture contemporaine.

Si Maurice Barrès est davantage connu pour ses positions politiques et intellectuelles proches du nationalisme républicain et du traditionalisme (il est souvent dit qu'il est la figure de proue du nationalisme français de l'entre deux guerre), on oublie souvent qu'il fut également un grand écrivain et le défenseur d'un concept auquel je ne reste pas insensible : Le culte du moi, qui, loin d'être une idées narcissique est plutôt humaniste, visant à faire du premier devoir de chacun, la défense du moi individuel "contre tout ce qui risque de l'affaiblir dans l'épanouissement de sa propre sensibilité".

Oui,  cette notion de protection du "moi" épanoui et serein me plait bien, et il me semble que l'oeuvre d'art que la galerie 208 a choisi récemment de poser sur cette place qui porte le nom de l'écrivain et homme politique, n'est pas tellement du au hasard....ce légo tel une flèche fantaisiste et poétique ne monte elle pas vers les cieux de la créativité et de la sensibilité, défiant ainsi tous les carcans ?

Le mouvement noueux semble montrer que la sensibilité et la créativité prennent tous les chemins possibles, les chemins qui se fraie entre intelligence et émotivité....

"Aucun cadran n'affiche la même heure, aucun amant ne livre la même humeur"......en partageant ces deux vers d'une chanson de Bashung, je ne veux pas faire état de mes propres états d'âme mais juste par là, introduire ce billet de nouveau siglé "art contemporain et patrimoine" qui évoquera cette fois ci le temps....."L'heure pour tous" car c'est de cette oeuvre d'Arman installée dans la cour intérieure qui forme le parvis de la Gare St Lazare, dont il s'agit bien ici. Posée au pied de l'entrée de la gare en 1989, cette accumulation de cadrans superposés les uns au dessus des autres, évoque à elle seule un certain nombre de choses.

Une oeuvre on ne peut plus appropriée à cet endroit, et même si le fronton de la gare présente déjà un gros cadran (toujours à l'heure sil vous plait...et il vaut mieux..), il n'en reste pas moins que l'idée du temps qui file est bien présente à travers cette oeuvre typique de l'artiste, figure de proue du nouveau réalisme français. Les cadrans échafaudés les uns au dessus des autres, leurs aiguilles arrêtées, le temps les a comme figées dans un instant qui n'appartient plus qu'au spectateur qui les croisent sur leur trajet du quotidien, comme sur celui des grands destins.

Amenant au pas de course, comme au pas nonchalant l'usager du métro-boulot-dodo, ou le voyageur d'un jour, elle accompagne sur le quai de la gare le tout à chacun. Il me semble que cette oeuvre nous permet de nous rappeler, à supposer que l'on prenne la peine (et le temps !) d'y réfléchir, quelles sont les choses essentielles de celles qui ne le sont pas, distinguer l'important du superficiel, laisser le temps se figer un peu sur les choses qui valent la peine que l'on s'attarde sur elles et laisser le temps poursuivre sa route pour celles qui ne valent pas forcément la peine qu'on y consacre autant de temps ....Peut être prendre le temps justement de méditer sur la valeur du temps, ce temps si précieux qui passe toujours de plus en plus vite, laissant parfois nos vies avec un pan d'inachevé...et si nous rattrapions le temps perdu en broutilles égocentriques pour prendre le temps de s'ouvrir à l'autre ?

Oui, je parlerai d'ovnis ce soir...Enfin, presque, car ces objets volants qui veillent tels des phares sur les jardins du Palais Royal sont pourtant bien identifiés...C'est en passant ce matin dans les allées sablonnées que j'ai croisé ces bizarreries évoquant de loin des lampadaires mobiles.

Nous devons cette étrangeté artistique à Takis, sculpteur grec contemporain (né en 1925). Cet ensemble de quatre oeuvres composées pour chacune d'elles d'un pied métalliques de 4,50 m de haut présentant deux bras au bout desquels sont fixées des demie-sphères colorées, sont en réalité plus justement appelées"signal eolien". Datant de 2006 il renvoie directement à la démarche générale de l’artiste qui se rattache depuis les années 50 à l'art cinétique (courant artistique fondé sur l’esthétique du mouvement) et plus précisément en travaillant autour des signaux lumineux et sonores construits à partir de tiges métalliques justement. 

Ces sculptures éoliennes, oeuvres des années 2000, tournent donc autour d'un axe actionné par le vent. Elles succèdent, mais sous une autre forme, aux télésculptures, sculptures magnétiques et autres scultpures musicales qui confirment au fil des décennies et des innovations l'attrait, que dis je la fascination, de l'artiste pour le mouvement, le son et parfois aussi la lumière, autant de signaux qui semblent venir d'un autre monde que le nôtre (la référence au ovnis n'était donc pas si inapprpriée...). 

Cette exposition temporaire, exposée à l'air libre, au coeur des jardins du Palais Royal, permet aux visiteurs et aux promeneurs qui passent ou se prélassent autour du bassin central, une petite parenthèse aussi étrange que poétique. Car même si à première vue, elles peuvent présenter un aspect un peu hermétique, on finit, le mouvement du vent et le silence aidant, à les trouver assez sympathiques. En fait, avec un peu de réflexion et d'ouverture d'esprit on ne peut rester totalement indifférent devant ces demies-sphères flottant au gré du vent....qui trouve aussi toute leur harmonie en compagnie du seul le bruit de la fontaine qui continue à cracher son eau juste à leurs pieds.

Le passant qui devient spectateur improvisé n'a plus qu'à se laisser envelopper par cette poésie aérienne, aléatoire, qui rend cette danse géométrique et colorée totalement inédite, et unique.

Certes, si l'apparition peut sembler incongrue au premier abord, chargé d'intensité et de témoignages historiques, il me semble que passé la première réaction de l'étonnement suscité par la juxtaposition proposée entre passé, histoire, patrimoine et futur et innovation, elles apparaissent en réalité très bien correspondre au cadre qui les accueille aujourd'hui. En effet, rigidité et équilibre semblent convenir aux volumes imposant des bâtiments, au classicisme de leurs lignes. Une certaine élégance se dessine sur ces vieux murs et les formes finissent par trouver habilment leur place. Une fantaisie mobile très maitrisée, par la rigidité des lignes qui suportent l'ensemble mais qui laissent néanmoins une totale liberté à ces "capsules" colorées qui viennent se juxtaposer à l'immobilisme des pierres ancestrales...

Une initiative supplémentaire qui nous permet d'ouvrir un peu plus notre horizon culturel et notre sensibilité à concevoir l'art dans tout ses états.

Sur les bords de la rue Saint Antoine, derrière un haut porche, un lourde porte en chêne et une façade en pierre blanche, dans ce coeur du Marais, le Paris de Louis XIII où la place des Vosges n'est à que quelques encablures de l'église Saint Paul, se dresse, majestueux (ou presque puisqu'il ne s'agit pas non plus d'une demeure royale...), l'Hôtel de Sully.

Passez dans les jardins de l'hôtel et vous aurez alors droit à une vision aussi étrange que drôlatique, qui m'oblige finalement à classer ce billet dans ma catégorie "Art contemporain et Patrimoine" plutôt que dans une catégorie d'articles à caractère purement historique. Une apparation (et c'est le mot adéquat)  qui ne peut que surprendre le visiteur subitement saisi par un anachronisme inattendu.

En effet, dans l'un des carrés de verdure soigneusement bordés de ces petits buis qui rappellent aussi bien les jardins moyen-âgeux que les grands parterres des jardins de nombreux châteaux français, règne une hôte étrange.....j'ai nommé "Taupologie pour l'hôtel de Sully". Quésako me direz vous ? (et à juste titre). "Taupologie", c'est ainsi qu'a été baptisée l'oeuvre d'art de Ghyslain Bertholon, qui trône littéralement ainsi entre les quatre murs de la cour intérieure de l'hôtel...Il convient de se figurer une motte de terre, sortie tout droit d'un jardin qui aurait été laissé au règne de ces petits mammifères fouisseur (si, si, c'est le terme) qui affectionnent l'obscurité et creuser des galeries souterraines pour mieux escamoter gazons et plates bandes de eurs propriétaires....Un monticule, donc mais pas de quelques centimètres non, mais plutôt à hauteur d'homme, au faite duquel émerge un museau et deux patounes...De haut, on dirait presque une taupe vêtue d'une grande robe qui rappellerait presque celles que l'on portait à l'époque où furent édifiés ces murs vénérables....Les couleurs naturelles de l'oeuvre se fondent toutefois assez bien dans l'ensemble, ce qui lui permet finalement de trouver assez bien sa place dans ce lieu historique, sans que le contraste ne soit trop violent ou d'emblée caricatural entre la bestiole (qui semble presque retarder le visiteur interloqué, par son oeil goguenard) et l'écrin qui l'accueille. 

On ne peut jamais éviter, occulter ou passer outre le monumental...et quand il s'agit du "Monumenta" annuel du Grand Palais on le peut encore moins. Il faut dire de plus que, cette année, cet adjectif est de mise et totalement approprié, il serait d'ailleurs presque encore trop peu explicite, faible et flou. Oui, le terme de "monumental" est adéquat car l'oeuvre qui a trouvé sa place sous la nef du Grand Palais s'apparente totalement à la taille digne d'un monument et s'inscrit pleinement dans les proportions de son écrin.

Cette édition 2011 du "Monumenta" qui a pour nom "Léviathan" et l'hôte qui l'acueille me poussent à classer ce nouvel article dans ma catégorie "Art contemporain et patrimoine", car même si la présence de l'oeuvre d'Anish Kapoor, à qui l'on doit cette réalisation exceptionnelle, n'a pas vocation à rester éternellement sous la nef de verre, il n'en reste pas moins cette flagrante mais si intéressante juxtaposition entre passé et contemporain (où les forme et les lignes évoquent même le futur) corresponde totalement à cette thématique.

Mais moi j'ajouterais encore quelques qualificatifs pour évoquer cette réalisation qu'il est presque difficile de nommer tant elle étonne, surprend, laisse impressionné, presque abasourdi par sa démesure son (non)sens, la technologie qu'elle suppose dans sa conceptualisation et sa fabrication. Il serait presque difficile de trouver le bon champ lexical qui puisse correspondre à cette oeuvre hors norme. Chacun aura forcément son propre sens de lecture, mais je me risque, pour vous encourager à aller la rencontrer, à vous livrer le mien. Oui, plus que de vous transmettre la démarche et la philosophie d'Anish Kanpoor, je préfère m’attacher à vous transmettre ce que j'ai ressenti dans cette visite faite au Grand Palais, ce qui je l'espère, vous encouragera effectivement par la suite à  vous intéresser à la démarche de l'artiste.

C'est par le plus inattendu, je crois, que la visite commence, l'artiste ayant voulu dérouter le spectateur de près comme de loin, de l'intérieur comme de l'extérieur : deux univers, deux mondes, deux sensations. Il est donc proposé au visiteur de rentrer au sein même du "Léviathan", ce qui le transporte sur une superficie de 150 m² environ, dans un univers à l'ambiance inexplicable. Chacun je pense pouvant y ressentir une impression toute personnelle. Pour ma part, j'ai eu l’étrange sensation de faire un voyage in utero, ou dans une cavité interne comme celle du coeur ou d'un organe vital. Etrange sensation qui renvoie comme à une autre vie, où la notion temporelle et spatiale n'a plus raison d'être, la démesure prenant tout la place. La couleur rouge renforce cette notion presque chirurgicale et la trame que forment les lignes de la nef apparaissant en filigrane sous la peau de l'oeuvre, joue avec la lumière du ciel parisien qui perce sous le verre du Grand Palais, ne font qu'accentuer ces sensations très particulières. Et comme un enfant, le visiteur ne peut s'empêcher de toucher du doigt cet univers où les sens sont exacerbés : la vue bien sûr mais aussi l'ouïe, comme déformée sous ce toit gigantesque, le toucher...

C'est l'image de ce végétal qui m'est effectivement spontanément venu à l'esprit, du fait de sa couleur bien sûr, mais aussi de son aspect et de sa forme. Image d'autant plus renforcée par l’architecture métallique que constitue son écrin, venant se refléter directement sur la peau lisse et lumineuse du solanacée, évoquant tiges et feuilles. La lumière se posant doucement sur la résine, joue avec les couleurs  du Léviathan  et celle de la serre qui est aussi impressionnante que le légume en question....

Je pense que cette oeuvre restera dans les mémoires de ceux qui l'auront croisé, d'une part pour sa singularité, son originalité et la performance artistique et technologique qu'elle représente mais tout simplement aussi parce qu'elle est éphémère justement. Ces deux éléments lui donnant, il me semble, la possibilité de passer dans la postérité. 

Cela fait longtemps que je pense à elle, entre les lignes de mes billets, le choix des mots (pas le choc des photos, mais en tout cas la sensibilité et la poésie que je peux mettre dans les miennes.....) Chaque fois que je vois les murs du Louvre à travers ses facettes je pense à l'article que j'écrirai sur ce "monument" (un terme approprié aussi bien au sens propre qu'au sens figuré), de Paris. Chaque fois que je passe à côté d'elle je me demande comment je pourrai l'évoquer, avec les mots justes, les plus appropriés à son histoire, à son profil, à sa raison d'être aussi...  Je ne pouvais en effet ne pas évoquer la figure de proue de cette rubrique "art contemporain et patrimoine", je veux dire par là notre pyramide nationale, celle qui abrite l'âme et le coeur de notre patrimoine artistique.....la Pyramide du Louvre...

Telle la pointe d'un diamant aux multiples facettes, elle se niche dans l'écrin de la Cour Napoléon, au coeur de Paris, au coeur de l'histoire... Oeuvre d'art parmi les oeuvres d'art, toute de verre et d'acier, elle s'élève à 21,64 m du sol sur une base carrée de 35,42 m de largeur, composée de 603 losanges et 70 triangles de verres. Toute en transparence, actrice mais aussi théâtre d'un savant jeu de miroirs, d'ombres et de lumière...

Commandée par François Miterrand en 1983, elle est inaugurée le 30 mars 1989 pour être enfin ouverte au public le 1er avril de la même année. Mais l'idée de construire une pyramide en plein Paris n'est pas récente, elle date même de la période post révolutionnaire, concept que l'on retrouve dans un ouvrage de 1809 (écrit par un cerain Bernard François Balssa, père de Balzac) intitulé "Mémoires sur deux grandes obligations à remplir par les français", l'une des deux étant d'élever une pyramide dans la cour du Louvre, pour un hommage national de reconnaissance à l'empereur.... L'architecte à qui l'ont doit cette réalisation aussi surprenante qu'inattendue dans le paysage parisien, le sino américain Ieoh Ming Pei, a sans doute été au courant de ce projet du XIXème siècle et s'en est peut-être quelque peu inspiré. 

Une juxtaposition à travers les matériaux où l'acier et le verre répondent en toute légèreté à la pierre et à l'ardoise, une juxtaposition à travers la couleur, une juxtaposition à travers les surfaces planes des facettes de verre  et l'amoncellement de sculptures et de bas relief des façades du Louvre....une juxtaposition des époque aussi évidemment...suscitant à celui qui se penche un peu sur ces miroirs du temps, un sentiment d'éternité et d'intemporalité.  Une fusion permise par la transparence qu'offre non seulement le verre mais aussi l'eau, qui se fait témoin du mariage entre la pierre d'hier et le verre d'aujourd'hui.....par son jeu de reflet, son chant et sa présence pleine de gaieté, l'eau environnante vient fêter et sceller l'alliance, des matières, des styles et des époques.

Symbolique de l'éternité qu'utilisaient il y a quelques milliers d'années déjà les pharaons égyptiens.... mais aussi de la perfection, avec ces lignes fuyant vers le ciel en quête d'absolu et d'intemporalité, notions qui se calquent directement sur ce qu'inspirent les bâtiments même du Louvre : ces murs et ces cours, ces enfilades de colonnades, où résonnent la voix de l'inabouti, de l'inachevé, la conquête de l'espace, la construction, la déconstruction, le pouvoir...exactement comme les pyramides de l'antiquité égyptienne.

Oui s'agit bien d'une devanture dans ce billet, mais pas de n'importe laquelle puisque c'est celle du grand groupe français de communication Publici,s fondé par Marcel Bleustein-Blanchet (voir plus bas), située au pied de l'Etoile, entre l'Arc de Triomphe et le rond-point des Champs Elysées. Un lieu qui me permet encore d'évoquer ce soir le cas d'une "oeuvre" contemporaine dans un contexte urbain historique. Mais cette vitrine ne vient pas de nulle part, elle a son son histoire, sa symbolique, elle est liée à l'aventure du groupe, de sa philosophie et de celle de son fondateur. 

Ouvert en 1958, date à laquelle le groupe s'installe au sommet de la prestigieuse avenue dans les bâtiments de l'ancien hôtel Astoria, le Drugstore symbolise à lui seul une certaine américanisation de la société française de l'époque, les 30 glorieuses, le développement de la société de consommation, des médias et de la communication. Il s'installe et devient rapidement un point de repère dans Paris, point d'autant plus lumineux de part sa situation géographique privilégiée. Si le tragique incendie du 27 septembre 1972 réduit à néant les locaux du groupe,  c'est sans compter sur la détermination du fondateur du groupe qui décide une rénovation immédiate des bâtiments pour permettre à l'entreprise de poursuivre son challenge et son ascension internationale dans l'univers de la communication .

C'est l'architecte Pierre Dufau qui est alors chargé en 1975 de la reconstruction des bureaux et du Drugstore, qui opte pour un immeuble "assez neutre pour ne pas s'imposer de manière malpolie dans la perspective de l'arc de Triomphe", selon ses propres mots, pour des "volumes qui ne dépassent pas, un vitrage qui réfléchit le ciel et l'Arc de Triomphe", un ensemble aux lignes sobres, épurées et élégantes. Il met en oeuvre  des angles et des lignes permettant au bâtiment de se fondre dans l'ensemble architectural du quartier empreint d'élégance et de classicisme. Mais le bâtiment devait aussi avoir suffisamment de personnalité pour être représentatif de la célèbre société de communication qui avait élu domicile à une non moins célèbre et prestigieuse adresse. Souci qu'avait lui même Marcel Bleustein-Blanchet pour son entreprise de dénoter par rapport à l'ancien immeuble. Le président du groupe avait en effet bien compris qu'il devait faire le choix d'une physionomie architecturale définitivement moderne qui ne risquerait pas d'être spoliée après avoir été victime d'un grave incendie. Le projet de Pierre Dufau devait donc être d'envergure, pour pouvoir satisfaire à ces différents paramètres et répondre aux exigences du patron de la communication française qui n'avait pas choisi pour rien l'emblème du Lion, qui surplombe depuis, tel un roi, tel un astre, le sommet de l'immeuble ainsi réaménagé, et par la même occasion  la plus belle avenue du monde.

Toutefois, la partie réservée au Drugstore, qui fait la jonction entre le groupe et le client, le consommateur, les bureaux et la rue, l’intérieur et l'extérieur, n'avait pas d’identité particulière, alors que le lieu en avait une : il suffit d’évoquer les mots de Jean-Charles de Castelbajac qui rappelle que dans les années 1960 "le drugstore était la pierre angulaire du cool".....pierre angulaire que le couturier est venu draper de ses couleurs fétiches et de son style caractéristique l'hiver dernier. La devanture du Drugstore prenant le temps de quelques semaines, un habillage coloré.

L'ensemble architectural qui trône ainsi au sommet des Champs Elysées offre donc au spectateur, passant parisien comme touriste étranger, le spectacle d'une superposition vitrée, combinant lignes et courbes, transparence et réfléchissement, droites et obliques, verre et acier, formes planes et convexes, une curiosité architecturale qui devrait amener les consommateurs, attirés par cette façade qui sort de l'immeuble, comme une invitation à y entrer, dans ce lieu que le Drugstore définit lui même : comme étant "un luxe à la portée de tous, lieu de référence contemporain pour de nombreux rendez vous tant privés que professionnels qui attire aujourd'hui chaque jour environ 12 000 personnes"....

Non, non je ne parlerai pas chiffon ce soir, ni bambins.... mais bien architecture ....si le titre de ce nouveau billet consacré aux oeuvres contemporaines situées dans un cadre historique peut le laisser croire, il en va pourtant tout autrement.

Mais le bloc n'a pas toujours été bloc.....a l'origine l'ensemble immobilier situé à la croisée de la rue Croix des Petits Champs, de la rue St Honoré, de la rue des Bons enfants et de la rue Montesquieu se composait de deux bâtiments distincts et totalement hétérogènes : Un immeuble construit en 1919 par Vaudoyer, donnant sur la rue St Honoré pour les réserves du grand magasin du Louvre, bâtiment occupé dans les années 1930 par le ministère des finances. Un second, donnant sur la rue Montesquieu, conçu par Lahalle en 1960, constituant une extension à ce même ministère des finances. 

Ce "liant" a été trouvé en la création d'une "résille" (qui n'a pourtant rien d'un bas et qui n'évoque pas vraiment de la lingerie, mais le terme est joli, et il vrai assez approprié...) suggérant aussi bien les arabesques de l'art nouveau (en consonance avec la genèse du "bloc St Honoré") que les lignes modernes, voire futuristes, auquel le matériau fait également écho. Ainsi, se marient pierre et fer, entrelacs et sculptures de pierre avec les lignes sinueuses et désinvoltes de ce gigantesque voile arachnéen....l'ensemble sait à la fois s'imposer et rester discret, comme une parure élégante, mais en rien ostentatoire, envahissante sans être encombrante.  Ainsi, sur 5 000 m², cet habillage unifie les deux lots originaux en un ensemble harmonieux. Le motif abstrait qui court sur toute la façade pour se terminer au faite du monument vient  d'un tableau de Giulio Romano (peintre de la renaissance italienne) et dont l'architecte (ou plutôt l'artiste) a déformé les personnages par ordinateur jusqu'à obtenir ces entralcs se répétant à l'infini. La dentelle  ainsi créée et ensuite réalisée dans une plaque d'acier découpée au laser. Mais c'est encore le créateur qui parle le mieux de cette mantille : "Elle est garde du corps et oeuvre confidentielle, elle est cuirasse, armure ou cote de maille, s'attachant à protégéer le ministère contre toute intrusion intempestive".... "la lecture qu'on en a, se déplace sur des valeurs visibles souvent contraires. Celle de la brillance et de la matité, celles de la finesse et de la profondeur, celles du ciselé et du contour flou, celle de la figuration et de l'abstraction...Légère et puissante elle enserre le bâtiment du premier étage aux combles et l'ancre ainsi dans le sol parisien".

De l'intérieur, la mantille (finalement, ce terme s'y prête presque plus...) ne gêne pas la vue des occupants du bâtiment mais crée des jeux de lumière en fonction de la couleur du ciel de Paris. Je serais d'ailleurs bien tentée de dire qu'il en va de même pour l'extérieur, car pour avoir photographié le bâtiment à deux dates différentes, un jour de grand beau temps et un jour de pluie, le rendu est très inégal, la lumière "n'accrochant" pas le métal et le verre de la même manière. Très certainement, j'irai de nouveau immortaliser l'ensemble en fin de journée en été, quand le ciel devient rose, la lumière devant donner un aspect féérique à la dentelle d'acier qui doit alors se transformer en véritable parure sur la pierre. Oui, le Ministère a trouvé son joyau, le quartier historique a retrouvé et conservé son allure, et le bijou a trouvé son écrin. L'alliance entre le contemporain et l'ancien semble ici plus que jamais réussi. Cet ouvrage est plus qu'une réahbilitation architecturale, c'est une véritable oeuvre d'art.

Il s'agit bien des "colonnes de Buren" que l'on pourrait aussi bien nommer de "Bataille d'Hernani" moderne.....ou bien de graine de la discorde...ou tout au moins celle de la polémique... "Les deux plateaux" puisque c'est le titre véritable de l'oeuvre réalisée par Daniel Buren font donc l'objet de ce nouveau billet évoquant les oeuvres d'art contemporaines nichées dans le patrimoine historique parisien, voire national.

La polémique a enflé, et ce sous toutes ses formes... : médiatique à travers 225 articles de presse dans 45 journaux ou revues ; politique, faisant l'objet de questions au parlement, de recours en justice (notamment par la mairie de Paris de l'époque), par la mise en place de différentes associations de défense du patrimoine, et par de nombreuses pétitions. Pour faire aboutir son projet l'artiste livre un véritable parcours du combattant : Les travaux sont plusieurs fois arrêtés, menacés d'être totalement abandonnés lorsque le ministère de la Culture bascule à droite. Mais plus qu'une querelle politique franco-française, le coeur du problème est bien la confrontation entre art contemporain et patrimoine, et de surcroît dans ce cas précis, un patrimoine extrêmement symbolique. En comparaison, la construction du forum des Halles en lieu et place des anciennes halles de l'architecte Victror Baltard ont fait bien peu de vagues...Pourtant le choix du ministère de la Culture pour ces colonnes avait été jugé plus consensuel que l'option proposée par l'artiste Guy de Rougement qui avait alors suggéré un sol mutlicolore....comme quoi....C'est finalement au tribunal que se joue la poursuite des travaux et l'oeuvre est finalement achevée en juillet 1986, sans pour autant faire l'objet d'inauguration particulière (peut être pour ne pas jeter un peu plus d'huile sur le feu .....).

Si les colonnes ont été vilipendées à leur début, petit à petit les parisiens et les touristes ont fini par les accepter (avec plus ou moins de dégoût, et puis d'ailleurs avaient il le choix ?), faisant l'objet de nombreux clichés photographiques de la part des touristes et le jeux des enfants s'amusant à les esacalader. Suscitant la curiosité, plus par le tapage de leur gestation que par la démarche artistique de leur créateur, elles ont fini par s'installer dans la ville, et le paysage urbain parisien. Au point de devenir même un site emblématique de Paris et de faire l'objet d'un classement au registre des Monuments Historiques. Pourtant au fil du temps l'oeuvre se dégrade, sans pour autant préoccuper les pouvoirs publics. Alors une fois de plus le plasticien s'est insurgé, dénonçant "un vandalisme d'Etat", menaçant de faire un procès pour défendre son droit moral et demandant la destruction de l'oeuvre "si l'Etat n'avait pas les moyens de la restaurer" et si rien n'était fait pour "sauver" ces précieuses colonnes....à la vie si mouvementée... Ainsi, c'est sous l'impulsion du ministère de la Culture que la rénovation a débuté fin 2008 pour se terminer en janvier de cette année, et fêtée par une (re)-inauguration en grandes pompes...... Les travaux ont coûté pour cela la bagatelle de plus de 3,2 millions d'euros alors que le coût original des "deux plateaux" s'élevait à ....1,2 millions d'euros...

Le prix (fort) à payer pour (sauve)garder une oeuvre, certes emblématique mais qui coûte sans doute plus qu'elle ne rapporte ? et en définitive assez fragile (23 ans d'existence pour connaitre le délabrement...) Le prix d'un coup de gueule artistique ? Le prix de la concorde ?
Quoi qu'il en soit, l'oeuvre reste toujours sujet de polémique, divise encore autant les spectateurs....question de goût, de coût....je ne sais pas.....comment vieillira t elle ? A présent classée, rénovée, comment imaginer qu'elles puisse à présent disparaître ? Si elles ne se fondent pas aussi bien dans leur décor que d'autres oeuvres contemporaines, les colonnes de Buren ont au moins le mérite de faire parler d'elles, de susciter les passions, d'amuser petits et grands, d'allonger les files de touristes sous les arcades des galeries du Palais Royal et constituer de "royales" pissotières aux chiens !

Avant de poursuivre la série d'articles consacrés aux oeuvres contemporaines situés dans un cadre chargé d'intensité historique et culturelle, je profite de la toute récente FIAC, dont une partie était visible dans les jardins des tuileries, pour évoquer ici l'exemple même de ce que j'appelle "l'éphémère heureux ".

Ici deux indiens immortalisant ce que j'appelle "la fratrie de Roswell" mais qui a du être baptisé par son créateur d'un nom à consonance beaucoup plus 'hype-glam", là une famille d'espagnols plus intéressés par les nus féminins en bronze, abonnées à l'année aux pelouses du jardin.... Ici encore deux étudiantes parisiennes cherchant le pourquoi du comment du "kiosque à rêves" (encore de moi) comprenez par là un pavillon de bois formé d'une douzaine de pans, dont chacun s'ouvre par une porte à battant, permettant ainsi de multiples entrées et sorties, et ayant pour seul et unique mobilier une table en bois surmontée d'une ampoule (cassée dont un débris est artistiquement posé sur la table), le tout dans un univers immaculé.... 

Rêve ou cauchemar, fantasme ou réalité, j'aimerais savoir quelle problématique l'artiste veut nous transmettre par ce biais, et quel sentiment il souhaite faire naître en nous. Je citerais encore les monumentales haies aux couleurs bleues banche et rouge évoquant ainsi le drapeau français et américain ... je pencherais pour la métaphore du déclin US face aux nouvelles puissances des pays émergents, à moins que ce ne soit une référence à la dégringolade récurrente du sport français ?

Mais il ne fallait surtout pas louper ces deux "vers de terre" géant, de toutes beauté, placé sous le regard imperturbable des statues néoclassiques, elles d'une éternelle beauté, qui, si elles étaient de chair et de sang pourraient bien avoir des hauts le coeur devant pareil panorama.....Le "cinéphémère" a du plaire au cinéphiles amateurs d'art contemporain et vice versa....qui faisait l’objet d'un conteneur vert ouvert à une quinzaine de personnes, pour les amoureux du 7ème art ne souffrant pas de claustrophobie... On pouvait également suivre les "cailloux" habilement semés par le "Grand Poucet" dans l'allée principale du Jardin, permettant effectivement aux touristes de ne pas perdre le Nord dans un tel paysage...

Enfin, la plus vivante mais la non moins étrange "volière à hirondelles", véritable happening artisitique qui réunit dans un habitacle grillagé amoncellement de livres, bouteilles vides et autres détritus au milieu desquels batifolent quelques hirondelles complètement désintéressées par tout ce remue-ménage extérieur, et dont le spectacle général semble amuser les pigeons, librement perchés sur les statues entourant la dite volière...

La démarche générale est donc certes louable, le pari audacieux, l'ensemble, même s'il manquait de cohérence (mais la FIAC n'est pas une rétrospective ou une exposition comme une autre) a eu le mérite d'intriguer, de susciter la curiosité et l'interrogation chez les spectateurs. Toutefois, on ne peut que se féliciter que ces installations ne restent que ponctuelles, leur relative beauté risquerait de dénaturer le cadre dans lesquelles elles ont été accueillies. Voilà donc pour moi un bon exemple de "l'heureux éphémère", un "Oui, mais"....au mariage entre l'art contemporain et le patrimoine ancien.

"L'impertinente"....n'allez pas croire qu'il s'agit là d'un billet autobiographique, c'est un chemin détourné pour arriver au véritable nom de l'oeuvre que je souhaite évoquer aujourd'hui. Si l'impertinence ne fait pas partie de mes qualités (à moins que ce ne soit plutôt mes défauts...), et je ne suis pas plus noctambule. Car il s'agit bien ici des "Noctambules" de la Place Colette (oeuvre appelée dans un premier temps "l'Impertinente"), plus connus sous le nom du "Kiosque des Noctambules". C'est donc de l'édifice marquant l'entrée de la station de métro "Palais Royal, Musée du Louvre" que l'on doit au plasticien Jean-Michel OTHONIEL, qui fait l'objet de ce second article portant sur la dualité Art contemporain / Patrimoine historique. 

Conçue en 2000 et faisant ainsi écho aux stations de Guimard construites 100 ans plus tôt, cette oeuvre rappelle, tout en s'en démarquant, les bouches de métro caractéristiques de l'Art Nouveau. A la fonte et à la pierre mises en valeur par GUIMARD, OTHONIEL préfère le verre et l'acier, mais dans les deux cas les artistes ont choisi d'innover, de rompre avec l'attendu et le classique pour prendre des chemins détournés, dans la forme, la couleur et les matériaux. Hier comme aujourd'hui ils étonnent leur contemporains, et se démarquent de l'environnement dans laquelle l'oeuvre est censée s'intégrer.

L'ensemble évoque il est vrai une double couronne (association d'idée avec le lieu, théâtre d’évènements historiques et cadre du pouvoir sous l'ancien régime ?). Les bulles de couleurs rappellent des perles colorées mais évoquent aussi un peu des pierres précieuses, elles semblent fondues, coulées, soufflées dans la fantaisie et la légèreté.  Cette image poétique donne aussi un petit air de fête baroque qui se fond dans le contexte du cadre choisi pour élever cette oeuvre. Ainsi, cette bouche de métro qui se démarque des autres, apporte une note de couleur, de gaieté et d’opulence aux lignes structurées, droites et rigoureuses, du quartier marqué par l’architecture classique qui prédomine dans le 1er arrondissement. Si cette "Impertinente" surprend tout d'abord le regard du visiteur et l’interroge (mais n'est ce pas le but ?), comment ne pas être charmé par ce petit "joyau" dans son écrin royal ????

L'exposition actuelle de Takashi Murakami au Château de Versailles a suscité à la rentrée la polémique que l'on connait. Cette levée de bouclier contre l'initiative du Domaine National du Château de Versailles me donne l'opportunité de poser une problématique qui me semble intéressante, qui fait depuis longtemps et qui fera toujours débat : La place de l'oeuvre d'art contemporaine dans l'espace (urbain ou pas) à caractère historique et culturel important. J'entendais récemment Jean-Jacques AILLAGON interviewé sur la place donnée aux oeuvres de l'artiste contemporain japonais dans le Château de Versailles, qui expliquait que c'est en définitive l'histoire qui "tamise entre le bon grain et l'ivraie", qui juge "in fine" et qui a toujours en quelque sorte "le dernier mot" sur la perenité de l'oeuvre générale de l'artiste dont il est question.